Hong Kong, Seoul, Bangkok, Parigi. Per molte case discografiche sono quattro mercati, con quattro uffici e quattro strategie. Per Sunny Lukas sono quattro città dove il suo progetto suona allo stesso modo.
Il takoyaki, dice Sunny Lukas parlando di sé e del suo modo di vedere le cose, si cuoce a fuoco vivo nello stampo e nonostante questo trattamento poco gentile, dentro resta morbido. Sunny Lukas ha costruito attorno a questa immagine il suo ultimo progetto visivo, TAKOYAKI, la cui uscita (il 2 ottobre scorso) mi ha dato l’espediente perfetto per intavolare con lui la conversazione che segue.
C’è da dire che di solito a me piace proporre le interviste come profili, raccontando la storia insieme alle parole dell’artista. Con lui mi si è imposta un’altra strada.
Lukas è del 2000, nato e cresciuto a Hong Kong; oggi vive a Seoul e canta in sei lingue. Ha già suonato a Parigi, a Milano e all’Asia Revolution Festival in Germania; il 25 ottobre è tornato in Francia per il The A Festival, al Paris Convention Center. Sarà per la sua vita da globetrotter, sarà per il verso che la conversazione ha preso, o perché lui ha una maturità che lo porta ad avere una narrazione precisa, lui sa dove vuole andare, e parla con la profondità di chi ha già fatto i conti con quello che dice. Così ho lasciato a lui il microfono, e il formato di domande e risposte restituisce il suo pensiero così com’è.
Nelle sue risposte affrontiamo cinque nodi: quanto siano ancora reali le barriere tra i mercati, perché per lui moda e musica si costruiscono allo stesso modo, che cosa il k-pop insegna a chi produce, e che cosa significa creare un’etichetta che non imponga una formula. Capite? Meglio lasciare a lui il microfono. Ascoltiamolo.
Senza confini
Koreami – La tua musica supera completamente i confini geografici: sei un artista indipendente con TEAMSUNNY (l’agenzia che ha fondato nel maggio del 2019, NdR), canti in più lingue e unisci R&B occidentale e scena asiatica. Guardando oggi il panorama globale, pensi che le barriere tradizionali tra i mercati regionali si stiano dissolvendo del tutto?
Onestamente penso che le barriere si stiano dissolvendo, ma non direi che siano ancora completamente sparite. Oggi puoi pubblicare una canzone da Seoul e far sì che qualcuno a Parigi, Bangkok o Los Angeles si colleghi subito. Gli ascoltatori sono già molto globali, anche se l’industria a volte ragiona ancora per mercati separati.
Non ho mai visto la musica asiatica e quella occidentale come due mondi diversi. Sono cresciuto a Hong Kong ascoltando cantopop e mandopop insieme a R&B americano, hip-hop e pop. Ora vivo a Seoul, ho suonato in Cina, in Europa e negli Stati Uniti, e faccio musica in lingue diverse. Questo miscuglio non è qualcosa che forzo per sembrare “internazionale”: è semplicemente chi sono.
Ci sono ancora barriere legate a lingua, playlist, media, tournée e al modo in cui gli artisti vengono catalogati. A volte la gente vuole ancora mettere un artista in una casella: artista asiatico, artista occidentale, c-pop, k-pop, R&B. Ma oggi il pubblico si preoccupa meno di queste etichette. Se la canzone gli fa provare qualcosa, la ascolterà.
Per questo essere indipendente con TEAMSUNNY è importante per me. Non devo aspettare che qualcun altro decida in quale mercato devo stare: posso costruire il mio mondo e connettermi con le persone ovunque si trovino. Penso che il futuro sarà meno legato alla geografia e più a comunità unite da gusto, emozione e cultura.
Europa, un rapporto da costruire
Koreami – Ti stai espandendo in Europa: hai tenuto concerti a Parigi, Milano e all’Asia Revolution Festival in Germania. Come immagini il prossimo capitolo della tua espansione europea, e ci sono dialoghi sonori o culturali specifici che vuoi esplorare con artisti e pubblico europei?
Per me il prossimo capitolo non riguarda solo il fatto di esibirmi in più città europee: si tratta di costruire un rapporto reale con il pubblico e dargli un motivo per continuare a seguire il percorso. Parigi, Milano e la Germania sono culturalmente molto diverse tra loro, ma il pubblico lì è stato davvero aperto e curioso. Il mio prossimo show è al The A Festival, al Paris Convention Center, il 25 ottobre, e sono felice di riprendere lo slancio e tornare in Francia.
A lungo termine mi piacerebbe fare concerti da headliner più intimi, suonare in più festival e, con il tempo, arrivare a un vero tour europeo. Creativamente l’Europa è stimolante perché ogni città ha una propria identità musicale. Mi interessano in particolare l’R&B e l’hip-hop francesi, la garage e l’elettronica del Regno Unito e le sonorità più melodiche e guidate dalla chitarra che si sentono nel Sud Europa. Una canzone come Laissez-moi faire, in cui ho mescolato francese e inglese con una chitarra spagnola e un ritmo hip-hop, è già un piccolo esempio di questo.
Mi piacerebbe anche creare con artisti europei nelle loro città, perché l’ambiente cambia sempre la musica. Non voglio solo mandarci file avanti e indietro e chiamarla collaborazione: voglio vivere la cultura, capire da dove nasce il loro suono e trovare il punto in cui i nostri mondi si incontrano in modo naturale. È così che vorrei che la mia espansione europea fosse: una conversazione culturale autentica attraverso la musica.
Dalla moda al k-pop
Koreami – Oltre la musica, la moda è diventata un linguaggio fondamentale per la tua espressione, con collaborazioni con marchi di lusso e globali come Guerlain, Louis Vuitton e Amiri. Come bilanci la tua identità di artista attento alla moda con la produzione musicale? Si ispirano a vicenda?
Si influenzano a vicenda, sicuro. Non vedo moda e musica come due identità separate: sono entrambi modi di esprimere un sentimento e costruire un mondo. Di solito la musica viene prima, perché la canzone deve reggersi da sola, ma una volta capito il suo mood, la moda le dà un volto.
Sono molto attento ai dettagli nella produzione: la texture di una batteria, uno strato vocale, un piccolo suono sullo sfondo. La moda ha la stessa cura per i dettagli attraverso tessuti, proporzioni e silhouette. Lavorare con marchi come Guerlain, Louis Vuitton e Amiri mi ha mostrato quanta narrazione possa esistere oltre il prodotto, e questo ispira il modo in cui costruisco le mie fasi e le mie immagini.
A volte funziona anche al contrario: un outfit, una palette di colori o un luogo possono ispirare un’esibizione o persino la direzione di una canzone. Con VOYAGE, per esempio, l’immaginario nautico e l’alta moda europea riflettono le stesse idee di movimento, viaggio e attraversamento di culture che ci sono nella musica.
L’equilibrio sta nel fare in modo che l’immagine non diventi mai più forte dell’arte. Voglio che la moda estenda la storia, non che la distragga. Quando tutto si allinea, le persone non si limitano ad ascoltare la musica: possono vedere ed entrare nell’intero mondo che la circonda.
Koreami – Sulle tue piattaforme condividi spesso cover riarrangiate, brillanti, di grandi hit K-pop. Dal punto di vista di un produttore, quali elementi della produzione K-pop trovi più interessanti, e come pensi che influenzi l’ondata pop asiatica più ampia?
Quello che trovo più interessante del K-pop è quanto sia senza paura negli arrangiamenti. Una canzone può passare da una strofa R&B a un pre-chorus elettronico, aprirsi in un grande ritornello pop e poi cambiare completamente il beat nel bridge, eppure in qualche modo sembra ancora un disco solo. Di solito c’è molto movimento, e ogni poche battute arriva un nuovo strato vocale, una texture o un dettaglio ritmico che ti tiene attento.
I produttori K-pop pensano anche oltre l’audio. Considerano come una sezione si collegherà alla coreografia, ai visual e alla performance nel suo insieme. Apprezzo molto questo tipo di world-building, perché affronto la mia musica in modo simile.
Reinterpretare cover K-pop è quasi come studiare l’architettura della canzone. Smonto tutto, cambio accordi o groove e la ricostruisco con il mio stile R&B. Mi permette di capire cosa rende forte l’originale, pur trasformandola in qualcosa che sento mio. Se una canzone funziona ancora dopo che hai cambiato completamente la produzione, di solito significa che sotto c’è una scrittura davvero solida.
Penso che il K-pop abbia avuto un’enorme influenza sull’ondata pop asiatica più ampia, perché ha dimostrato che la lingua non deve essere un ostacolo e che gli artisti asiatici possono guidare la cultura globale invece di limitarsi a seguire formule occidentali. Allo stesso tempo, non credo che il futuro sia di ogni mercato asiatico che copia il K-pop. La parte entusiasmante è vedere la scena c-pop, j-pop, il pop thailandese e le altre scene imparare dal suo approccio globale portando avanti le proprie identità. Il K-pop ha aiutato ad aprire la porta: ora tutti possono attraversarla a modo loro.
Takoyaki, o sulla morbidezza
Koreami – Hai detto che il tuo recente progetto visivo TAKOYAKI porta sul palco la tua storia personale, usando simboli culturali come il takoyaki per rappresentare resilienza, speranza e la tua eredità asiatica. Quali capitoli o momenti del tuo percorso si riflettono in questa narrazione, e cosa significa questo messaggio per te in questo momento? Parlando della tecnologia dietro questo progetto, dove sta il confine, per te, tra tecnologia e vera emozione umana?
TAKOYAKI sembra giocoso in superficie, ma sotto riflette tanti momenti in cui ho dovuto continuare ad adattarmi: crescere a Hong Kong, lasciare ambienti familiari, spostarmi tra diversi paesi, entrare in luoghi nuovi dove dovevo presentarmi e dimostrare di nuovo il mio valore. Costruire una carriera indipendente significa anche che non c’è sempre una strada chiara, quindi gran parte del percorso è stato continuare anche quando non ero sicuro di cosa sarebbe successo.
Mi è piaciuto usare il takoyaki come simbolo perché si forma con il calore e la pressione, ma dentro conserva calore e morbidezza. Mi è sembrato molto umano. Si collega anche alla cultura quotidiana asiatica in cui sono cresciuto: il cibo, le esperienze condivise, le piccole cose che custodiscono molti ricordi. Mostra come la cultura possa viaggiare oltre i confini e riunire le persone.
In questo momento il messaggio è particolarmente importante, perché sto entrando in un nuovo capitolo e porto la mia musica in più posti nel mondo. Per me la resilienza non significa diventare duri o perdere la sensibilità. Significa proteggere quella parte più morbida e fiduciosa di sé anche mentre tutto intorno continua a cambiare.
Con la tecnologia, penso che il confine dipenda dall’intenzione. La tecnologia può ampliare l’immaginazione e permettere a un artista indipendente come me di creare mondi che prima avrebbero richiesto un budget enorme. Ma non può creare la ragione dietro la storia. Con TAKOYAKI la tecnologia ci ha aiutato a dare vita al mondo visivo, ma i ricordi, le emozioni e il messaggio arrivavano comunque da esperienze umane reali.
Se le persone notano solo la tecnologia, allora penso che si sia perso il centro emotivo. L’obiettivo non è mostrare ciò che uno strumento sa fare, ma usarlo per far provare alle persone qualcosa di autentico.
Un’etichetta che lascia spazio
Koreami – Come artista che sta costruendo un modello per i talenti asiatici indipendenti e moderni a livello globale, qual è il traguardo o la visione finale che vuoi raggiungere con TEAMSUNNY Entertainment (l’azienda che ha fondato nel 2019) nei prossimi anni?
L’obiettivo finale è più grande di avere un solo successo globale o riempire un’arena, anche se voglio assolutamente anche queste cose. Voglio che TEAMSUNNY dimostri che un artista asiatico indipendente può costruire una carriera globale sostenibile, mantenere la proprietà e restare fedele alla propria identità culturale senza doversi adattare a un solo mercato o a un solo sistema.
In questo momento sto costruendo questo modello attraverso la mia carriera: pubblico musica in modo indipendente, suono in tour tra Asia, Europa e Stati Uniti, e collego la musica a moda, immagini e cultura. In futuro vorrei che TEAMSUNNY diventasse una casa creativa per altri artisti, produttori e autori che pensano oltre i confini. Non vorrei che sembrasse un’etichetta tradizionale che applica a tutti la stessa formula. Lo scopo dovrebbe essere capire cosa rende unico ogni artista e poi dargli l’infrastruttura globale per espandersi.
Mi piacerebbe far dialogare i talenti di città come Hong Kong, Seoul, Bangkok, Parigi, Londra e Los Angeles, creando collaborazioni e opportunità che forse non nascerebbero attraverso l’industria tradizionale. Se un giovane artista asiatico potrà guardare a ciò che abbiamo costruito e capire di non dover rinunciare alla propria identità o alla proprietà per arrivare al mondo, quello sarà per me il vero traguardo.
In definitiva, desidero che TEAMSUNNY rappresenti libertà, qualità e connessione culturale, e aiuti a creare un futuro in cui gli artisti asiatici non vengano trattati come una tendenza o una categoria. Siamo semplicemente artisti globali.
Il calore e la pressione
Ed ecco che il takoyaki torna, a chiudere il cerchio; in quella pallina c’è la Weltanschauung di Sunny Lukas. Il calore e la pressione fanno parte del mondo come lo conosce: città che cambiano, una lingua che ogni volta deve farsi accettare, un’industria che chiede di scegliere una casella, un’etichetta, una scatola. La morbidezza è ciò che rimane nonostante un mondo che preme. Lukas parla di proteggere quella parte più sensibile mentre tutto intorno cambia, e questo ha conseguenze sul modo di lavorare: tenere la proprietà della propria musica, cambiare lingua a seconda della canzone, lasciare che l’immagine resti al servizio dell’arte.
Lo stesso equilibrio attraversa tutte le sue risposte. Auspica che una lingua non diventi un’etichetta né una casella, e che la moda resti un dettaglio che accompagna la musica, senza sottrarle l’occhio di bue. Vuole che il k-pop venga studiato per come è costruito, nella sua struttura e nei suoi arrangiamenti, e non soltanto ascoltato come effetto. E immagina un’etichetta che serva a far crescere chi la abita, e non una formula da applicare a tutti.
Hong Kong, Seoul, Bangkok, Parigi, Londra, Los Angeles: nel suo progetto sono città che fanno parte dello stesso dialogo. Il 25 ottobre, a Parigi, ha aggiunto un altro tassello a questo percorso.
Ti aspettiamo presto in Italia, Lukas!
